Pictures at an Exhibition
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Shadow Blume
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Map In Variation Space - Van McElwee
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For structural reasons Art has always been typified by painting. This is a pre-photographic and pre-modern gesture where a specific moment is captured in time. At the beginning of painting religious iconography originally caught the image of a moment in time, of a person who offered a way out of the existential problem of why we are here. Most often a man – the sky father – encapsulated a philosophy alternative to the narrative of ‘might is right’. The brutality of life was solved by the intentional weakness of a male figure who offered an alternative to male brutality – and this effectively was adopting the clothes of the earth mother – who’s prior offer was also strong and nurturing at the same time as Kali, the most beautiful and the most terrifying portrayal of the meaning of life. Either way, the portrait spoke to the issue of pain in human life.
Through the centuries a set of themes were offered that slowly became more and more sophisticated until landscape offered the simple truth of a person alone gazing at the world in peace and harmony. Much much later, the move to abstraction next encompassed Duchamp’s position concerning the problem of the primacy of concept over artwork – in a metaphysical way – and then the landscapes of abstraction offered a way out of the existential tendency of anthropomorphising – that our viewpoint, the human viewpoint is only one of many gazes that happen on our world – even the silent animal can gaze – but what might we or they see if we unchained ourselves to witness without projecting our own viewpoint onto everything we see? We are only one view point. Inspiration that the artists and curators can utilise: In his story ‘The Mirror Maker’, Primo Levi has his protagonist fall in love and try to speak about his love through making a mirror – originally outlined in 6th century BCE by Aesop, “the Metamir” (a metaphysical mirror) which will reveal his feelings for his loved one through every moment expressed directly on a mirror of his own soul feelings which he carries with him at all times – his ‘self’ is depicted on a mirror which he carries around for not only his lover for whom he made the gift, but also for all to see. UMA artists will reveal their questions and their answers through 12 Metamirs – 12 metaphysical mirrors – 12 durational paintings – 12 abstract works – 12 intensely slow works to interrogate the nature of painting and of art itself. The Exhibition – Large and small scale versions So UMA now adopt these fundamental issues as a challenge with Pictures at an Exhibition (coined with a circular reference to Mussorgsky’s subject for himself for a set of musical compositions – and here we make a nod to every moving image artists debt to music in recognising the idea of composition that reveals itself through time) – and we choose the medium of durational art which mimics the fundamentals of painting to question exactly what art is and what it might become in an age where questioning everything that we humans are and have done and will do – one of which is our angst at our own nature – that we might destroy the very thing we are observing, our biome and habitat – the cypher is the landscape of the self. What this means is we give freedom to each UMA artist to address this in their own way with 12 pictures at an exhibition, 12 durational positions on the nature of art through a slow durational answer to the problem of being. The exhibition experience – Large scale (including the small scale) On Entry to the gallery the audience passes through a smaller space (which is also the exit space) and this has 12 x 7 inch frames with a set of durational works on them authored by UMA artists to tease out a set of ideas. These frames are at average eye height so that the audience can see at a far smaller scale what they’re about to see at a much large scale. The audience then proceeds into a much darker environment where there is a route through 12 x 6 meter by 2.5 meter high screens upon which all of the same works are now exhibited at 4k with surround sound of each piece – thus producing contemporary gallery treatment of digital imagery. In the brochure, the audience should be encouraged to park their narrative attention to acknowledge Bill violas aphorism: “Duration is to Consciousness, as light is to the eye”. What this means is: as light energises the eye, so images with duration can energise the deeper mid brain mind through contemplation. Then contemplative mind focusses our energetic attention on a much deeper level than interpretive mind (formed for other more quotidian tasks) – so the images you are now viewing is via an energetic exchange, where attention is energy. This is in comparison with the dressing of the images you engage in the entry section to the exhibition. After taking as much time as they like (with seating provided with each screen) the audience exits through exactly the same exhibition of small frames they entered via. They now hopefully with a slightly different attitude stand next to those who they were some time back. The gesture of seeing the work as both small, then large, then small again, creates an opportunity for the audience to start to think harder about their ‘consumption’ of art and the meaning of what art can become in the 21st Century. The exhibition experience – Small scale You enter a plain white gallery with 12 small 7 inch displays as having 12 singular points of meditation. This gallery can be as small as 5 meters x 4 meters (or similar) or the works can be more widely spread out at 10 meters x 8 meters (or similar). For the catalogue: When the gallery is full, wait your turn to move on to the next image – be aware of those following you so try to gauge the time you spend with a work so that there is a very slow but purposeful flow in the gallery from entry to exit. If you’re on your own take on the responsibility to be the gallery’s steward, the sole representative, the sole upholder of the project of conscious attention whose energy heals the human condition. Take your time with each work. Only move on after you feel like you’re ‘in synch’ with the work. Each work is meant as a singular point of meditation. Think of the gallery as being like a battery where aesthetic, political and community behaviour is first charged then realised as combined power – you then carry the message. The Canvas, the Eye and the Hand – What matters in Art in an era of Digital Art by Terry Flaxton
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Pour des raisons structurelles, l'art a toujours été caractérisé par la peinture. Ce geste pré-photographique et pré-moderne consiste à saisir un instant précis. À l'origine, l'iconographie religieuse en peinture capturait l'image d'un moment, celle d'une personne offrant une issue à la question existentielle du sens de notre présence. Le plus souvent, un homme – le père céleste – incarnait une philosophie alternative au récit du « droit de la force ». La brutalité de la vie était résolue par la faiblesse intentionnelle d'une figure masculine proposant une alternative à la brutalité masculine – ce qui revenait à revêtir les attributs de la mère terre – dont l'offre antérieure était également forte et nourricière, à l'instar de Kali, la représentation la plus belle et la plus terrifiante du sens de la vie. Quoi qu'il en soit, le portrait abordait la question de la souffrance humaine.
Au fil des siècles, un ensemble de thèmes ont été proposés, se complexifiant peu à peu jusqu'à ce que le paysage offre la simple vérité d'une personne seule contemplant le monde en paix et en harmonie. Bien plus tard, le passage à l'abstraction a englobé la position de Duchamp concernant la primauté du concept sur l'œuvre d'art – d'un point de vue métaphysique – et les paysages abstraits ont alors offert une échappatoire à la tendance existentielle à l'anthropomorphisme : notre point de vue, le point de vue humain, n'est qu'un regard parmi tant d'autres posés sur notre monde – même l'animal silencieux peut regarder – mais que pourrions-nous voir, ou qu'ils verraient, si nous nous libérions de nos chaînes pour observer sans projeter notre propre point de vue sur tout ce que nous voyons ? Nous ne sommes qu'un point de vue. Inspiration pour les artistes et les commissaires d'exposition : Dans sa nouvelle « Le Fabricant de miroirs », Primo Levi met en scène un protagoniste amoureux qui tente d'exprimer son amour en créant un miroir. Ce concept, initialement décrit par Ésope au VIe siècle avant notre ère, repose sur le concept de « Métatir » (miroir métaphysique), censé révéler ses sentiments à l'être aimé à chaque instant. Ce miroir reflète directement les sentiments de son âme et le porte constamment sur lui. Son « moi » est ainsi représenté, non seulement pour l'être aimé auquel il offre ce cadeau, mais aussi pour que tous puissent le voir. Les artistes de l'UMA exploreront leurs questions et leurs réponses à travers 12 Métamirs : 12 miroirs métaphysiques, 12 peintures immersives, 12 œuvres abstraites et 12 œuvres d'une lenteur extrême, interrogeant ainsi la nature de la peinture et de l'art lui-même. L'Exposition – Versions grand et petit format UMA s'empare de ces questions fondamentales comme d'un défi avec « Tableaux d'une exposition » (un titre qui fait écho au sujet que Moussorgski s'était fixé pour une série de compositions musicales – et nous rendons ici hommage à la dette de tout artiste d'image animée envers la musique, reconnaissant l'idée de composition qui se révèle au fil du temps). Nous choisissons le médium de l'art de la durée, qui imite les fondements de la peinture, pour interroger la nature même de l'art et son devenir à une époque où nous remettons en question tout ce que nous sommes, avons fait et ferons, nous autres humains – notamment notre angoisse face à notre propre nature – la crainte de détruire ce que nous observons, notre biome, notre habitat – le symbole étant le paysage de soi. Concrètement, nous laissons chaque artiste d'UMA libre d'aborder cette question à sa manière, à travers 12 tableaux d'une exposition, 12 positions temporelles sur la nature de l'art, offrant une réponse lente et temporelle au problème de l'être. L'expérience de l'exposition – Grande échelle (y compris la petite échelle) Dès l'entrée dans la galerie, le public traverse un espace restreint (qui sert également de sortie) où sont présentés des cadres de 30 x 18 cm contenant une série d'œuvres immersives réalisées par les artistes de l'UMA. Ces cadres, placés à hauteur des yeux, permettent au public d'appréhender, à une échelle réduite, ce qu'il va découvrir à une échelle bien plus vaste. Le public pénètre ensuite dans un environnement beaucoup plus sombre, où un parcours le mène à travers 12 écrans de 6 mètres de long sur 2,5 mètres de haut. Sur ces écrans, les mêmes œuvres sont projetées en 4K, accompagnées d'un son surround, offrant ainsi une approche contemporaine de l'imagerie numérique. La brochure invite le public à suspendre son attention pour méditer sur l'aphorisme de Bill Viola : « La durée est à la conscience ce que la lumière est à l'œil.» Autrement dit : de même que la lumière stimule l'œil, les images immersives peuvent stimuler les profondeurs de l'esprit par la contemplation. L'esprit contemplatif concentre alors notre attention énergétique à un niveau bien plus profond que l'esprit interprétatif (formé pour des tâches plus quotidiennes). Ainsi, les images que vous contemplez actuellement sont le fruit d'un échange énergétique, où l'attention est énergie. Ceci contraste avec la présentation des images dans l'espace d'entrée de l'exposition. Après avoir pris tout le temps nécessaire (des sièges sont prévus près de chaque écran), le public ressort par la même exposition de petits cadres qu'à l'entrée. Il se retrouve alors, avec une perspective légèrement différente, face aux personnes qu'il a croisées quelques instants auparavant. Ce procédé consistant à percevoir l'œuvre tour à tour petite, grande, puis de nouveau petite, invite le public à réfléchir plus profondément à sa « consommation » d'art et à la signification que peut revêtir l'art au XXIe siècle. L'expérience de l'exposition – Petite échelle Vous entrez dans une galerie blanche épurée où se trouvent 12 petits écrans de 18 cm, autant de points de méditation uniques. Cette galerie peut être aussi petite que 5 mètres x 4 mètres (ou dimensions similaires) ou les œuvres peuvent être plus largement réparties sur 10 mètres x 8 mètres (ou dimensions similaires). Pour le catalogue: Lorsque la galerie est pleine, veuillez patienter avant de passer à l’image suivante. Soyez attentif aux visiteurs qui vous suivent et essayez d’adapter votre temps d’exposition à chaque œuvre afin de créer un flux lent et intentionnel, de l’entrée à la sortie. Si vous êtes seul, prenez la responsabilité d’être le gardien de la galerie, le seul représentant, le seul garant de ce projet d’attention consciente dont l’énergie contribue à apaiser la condition humaine. Prenez votre temps avec chaque œuvre. Ne passez à la suivante que lorsque vous vous sentez en harmonie avec elle. Chaque œuvre est conçue comme un point de méditation unique. Imaginez la galerie comme une batterie où les comportements esthétiques, politiques et communautaires se rechargent d’abord, puis se concrétisent en une force combinée – vous portez alors le message. |